Exhibitions

The group exhibition MISHMASH is on view through 13 June 2026. Open Thursday to Saturday, 3–7 p.m. and by appointment.

Mishmash, a term of Yiddish origin describing a colourful mixture or medley, refers here to an artistic interplay – a gathering and conglomerate of diverse positions in painting, mixed media, and sculpture brought together under a fluid curatorial concept.

Different painterly approaches stand alongside figurative works whose visual languages and stylistic vocabularies merge with the artists’ individual life stories and artistic statements into a multiperspectival whole.

Participating artists: Anja Wülfing, Dasha Minkina, Emily Strowitzki, Frank Krüger, Liza Mercedes, Moritz Thoma, Peter Simon Mühlhäußer and Tomas Jetela.

Themed exhibition 2026  We are a Munich-based gallery for contemporary art and are currently planning a group exhibition on the theme of nature for September 2026. We are not interested in a beautified idyll, but in what lies beneath. Critical and raw. If this theme plays a role in your artistic practice and you can imagine participating in the exhibition, please send us an email with your ideas and proposed works to: new@gallerystephanstumpf.com

The submission deadline is July 31, 2026. The exhibition runs from September 17 to October 18, 2026. The opening will take place on Thursday, September 17, from 7 to 10 pm.

Exhibition concept: [ DISTURBANCE ] What clear image must we place upon nature in order not to surrender to a romanticized vision? Dancing leaves in the wind are celebrated in the digital realm, existing purely as sequences of numbers, while rampant natural forces are simply denied. All that lies hidden behind this idyll, carefully obscured, is to be brought to light — disruptively — through art.

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Themenausstellung 2026  Wir sind eine Münchner Galerie für zeitgenössische Kunst und planen derzeit eine Gruppenausstellung zum Thema Natur für September 2026. Uns interessiert dabei nicht die geschönte Idylle, sondern das, was dahinter liegt. Gesellschaftskritisch und pur. Wenn dieses Thema in deinem künstlerischen Schaffen eine Rolle spielt und du dir eine Teilnahme an der Ausstellung vorstellen kannst, sende uns bitte eine E-Mail mit deinen Ideen und Werkvorschlägen an: new@gallerystephanstumpf.com

Einsendeschluss ist der 31. Juli 2026. Die Ausstellung findet vom 17. September bis 18. Oktober 2026 statt. Die Eröffnung ist am Donnerstag, den 17. September, von 19 bis 22 Uhr.

Ausstellungskonzept: [ DISTURBANCE ] Welch klares Bild auf die Natur ist nötig, um sich nicht einer romantischen Vorstellung hinzugeben? Tanzende Blätter im Wind zelebrieren im digitalen Raum, rein durch Zahlenfolgen, während ausartende Naturgewalt schlicht verleugnet wird. All das, was verborgen hinter der Idylle ausgeblendet ist, wird størend von der Kunst zum Lichte geführt.

The group exhibition HALF A POUND OF ART was on view from January 22 to March 14.

In our annual exhibition series HALF A POUND OF ART, we unite strong positions of international artists offering innovative perspectives to the art world. The exhibited works are exclusively small format, with a maximum size of 50 × 50 cm. There is no thematic curation – crucial are the format and the artistic excellence. The exhibition spans painting, sculpture, photography, installation, conceptual and video art. It presents works that challenge perception, celebrate detail, and reveal technical sophistication. HALF A POUND OF ART is conceived as an homage to the small format – a field of artistic precision and creative intensity.

Participating artist: Ale Casanova, Amber Sena, Anja Wülfing, Auriane Bail, Barnaby Whitfield, Brigitte Pruchnow, Claude Jones, Frank Krüger, Hope Bartley, Liza Mercedes, Marc Janssens, Marie-Therese Heublein, Michaela Wuehr, Nathalie Gauglin, Olga Wiedenhöft, Peca, Peter Simon Mühlhäußer, Rebecca Hastings, Sheila Flaherty

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Die Gruppenausstellung HALF A POUND OF ART fand vom 22. Januar bis zum 14. März statt.

In unserer jährlichen Ausstellungsreihe HALF A POUND OF ART vereinen wir herausragende internationale Künstlerinnen und Künstler, die mit innovativen Ansätzen den zeitgenössischen Kunstdiskurs bereichern.
Gezeigt werden ausschließlich kleinformatige Werke mit einer maximalen Größe von 50 × 50 cm. Eine thematische Vorgabe gibt es nicht – entscheidend sind Format und Qualität der Arbeiten. Die Ausstellung umfasst Malerei, Skulptur, Fotografie, Installation, Konzept- und Videokunst. Sie zeigt Werke, die unsere Wahrnehmung herausfordern, die Liebe zum Detail wecken und durch technische sowie konzeptuelle Raffinesse überzeugen. HALF A POUND OF ART ist eine Hommage an das oft unterschätzte Kleinformat – ein Terrain größter Präzision und Ausdruckskraft.

Within the exhibition „Fragmented Identity“ the Spanish artist Yolanda Dorda explores themes of womanhood, femininity, and the ongoing quest for self-discovery through art. The solo show marks a new creative phase in which self-portraiture becomes an introspective medium—a silent dialogue with the mirror, where the artist (or the depicted female figure) seeks to find and redefine herself.

The works reflect both a personal and collective journey, examining how women embrace and transform their roles over time. Maturity is not merely a biological process but an emotional and social evolution—a rebirth in which stereotypes are shed to make way for new dimensions of existence. Through painting, these moments of introspection, vulnerability, and empowerment are captured, inviting the viewer to reflect on their own identity and the many layers that shape the feminine experience.

At its core, this series portrays not just faces but also the traces of time, inner questioning, and the quiet acceptance of an ever-evolving femininity.

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Mit der Ausstellung „Fragmented Identity“ erkundet die spanische Künstlerin Yolanda Dorda Themen wie Frausein, Weiblichkeit und die andauernde Suche nach Selbstfindung durch und in der Kunst. Die Soloshow markiert eine neue kreative Phase, in der das Selbstporträt zu einem introspektiven Medium wird – ein stiller Dialog mit dem Spiegel, in dem die Künstlerin (oder die dargestellte weibliche Figur) versucht, sich selbst zu finden und neu zu definieren.

Die Werke spiegeln sowohl eine persönliche als auch eine kollektive Reise wider und untersuchen, wie Frauen ihre Rollen im Laufe der Zeit annehmen und verändern. Reife ist dabei nicht nur ein biologischer Prozess, sondern auch eine emotionale und soziale Entwicklung – eine Wiedergeburt, bei der Stereotypen abgelegt werden, um Platz für neue Dimensionen der Existenz zu schaffen. In der Malerei werden diese Momente der Selbstbeobachtung, der Verletzlichkeit und der Selbstermächtigung festgehalten und laden Betrachtende ein, über eigene Identität(en) und die zahlreichen Schichten, durch die weibliche Erfahrungen geformt werden, nachzudenken.

Im Kern porträtiert diese Serie daher nicht nur Gesichter, sondern auch Spuren der Zeit, inneres Hinterfragen und die stille Akzeptanz einer sich ständig weiterentwickelnden Weiblichkeit.

The group exhibition [ THE NEW PORTRAIT ] runs until 25 October 2025, Thurs-Sat 3-7 pm or by appointment.

What characterizes today’s portrait? The portrait is one of the most classic and well known genres in the history of art. The artistic representation of a human being, which is usually limited to the head and chest area, seems more exciting today than ever with the variety of technical and artistic possibilities. But what is it that fascinates us so much about the image of a human being? We want to get closer to what contemporary portraiture is all about! The group exhibition „The New Portrait“ unites extraordinary contemporary artists who each proclaim their specific approach and aesthetic vision. From abstract positions to the figurative, from the colorful to the minimalist, GALLERY STƎPHAN STUMPF displays a wide variety of international artistic positions in order to – through their compilation –  give the portrait of today a face.

Participating artists: Ale Casanova, Anja Wülfing, Arinze Stanley, Christof Grobelski, Claudia Mächler, Danielle Van Zadelhoff, Emily Strowitzki, Frank Krüger, Konstantinos Kyrtis, Nadine Tralala, Nae Zerka, Olga Wiedenhöft, Peter Simon Mühlhäusser, Rebecca Hastings, Roos Van Der Vliet, Sheila Flaherty and Tomas Jetela.

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Die Gruppenausstellung [ DAS NEUE PORTRÄT ] läuft bis zum 25. Oktober 2025, Do-Sa 15-19 Uhr oder nach Vereinbarung.

Was kennzeichnet das Porträt von heute? Das Porträt ist eine der klassischsten und bekanntesten Gattungen der Kunstgeschichte. Die künstlerische Darstellung eines Menschen, die sich in der Regel auf den Kopf- und Brustbereich beschränkt, scheint heute durch die Vielfalt der technischen und künstlerischen Möglichkeiten spannender denn je. Doch was ist es, das uns am Bild des Menschen so sehr fasziniert? Wir wollen der zeitgenössischen Porträtmalerei auf den Grund gehen! Die Gruppenausstellung „Das neue Porträt“ vereint außergewöhnliche zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler, die jeweils ihre spezifische Herangehensweise und ästhetische Vision proklamieren. Von abstrakten bis hin zu figurativen, von farbenfrohen bis hin zu minimalistischen Positionen zeigt die GALLERY STƎPHAN STUMPF eine große Vielfalt internationaler künstlerischer Positionen, um durch ihre Zusammenstellung dem Porträt von heute ein Gesicht zu geben.

Teilnehmende Künstlerinnen: Ale Casanova, Anja Wülfing, Arinze Stanley, Christof Grobelski, Claudia Mächler, Danielle Van Zadelhoff, Emily Strowitzki, Frank Krüger, Konstantinos Kyrtis, Nadine Tralala, Nae Zerka, Olga Wyedenhöft, Peter Simon Mühlhäusser, Rebecca Hastings, Roos Van Der Vliet, Sheila Flaherty and Tomas Jetela

Schleißheimer Straße 44, München/Maxvorstadt. Öffentlich erreichen Sie uns mit der U1 (Stiglmaierplatz), U2 (Theresienstraße) oder der Tram (20, 21 und 29 Sandstraße).

The solo exhibition [ Commedia dell’Arte ] by Danielle van Zadelhoff runs until 16 August, 2025; Thursday to Saturday from 3 to 7 p.m. or by appointment.

Danielle van Zadelhoff’s solo exhibition „Commedia dell’Arte“ is dedicated to an artistic interpretation of this year’s thematic focus on mythology on the occasion of the cultural supporting program of the Inititive Münchner Galerien for the Munich Opera Festival 2025. Complex social phenomena that have been captured for centuries in historical myths about war and peace, jealousy and love, temptation or delusions of grandeur have found and continue to find expression in art, music and drama to this day.

In this context, the Amsterdam-born artist’s photographs transfer the Italian Commedia dell’Arte from around 1700 to the present day, thus creating a transcendental bridge to the human drama of the 21st century: Sad harlequins and mystical female figures emerge from intense contrasts of light and dark, reminiscent of the baroque design principle of chiaroscuro in oil painting, casting a metaphorical glance at the increasingly troubled world stage. With a focus on the past and future of humanity, viewers are invited to inscribe their own myths onto the protagonists in the paintings and to retell their stories.

Zadelhoff’s fascination with photography began as a child and was significantly influenced by her artistically inclined father. She learned in-depth techniques from the photographer Leopold Beels van Heemstede in Antwerp, Belgium, where she still lives and works today.

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Die Einzelausstellung [ Commedia dell’Arte ] von Danielle van Zadelhoff läuft bis zum 16. August, 2025; donnerstags bis samstags von 15 bis 19 Uhr oder nach Vereinbarung.

Danielle van Zadelhoffs Soloausstellung „Commedia dell’Arte“ widmet sich, anlässlich des kulturellen Rahmenprogramms der Initiative Münchner Galerien zu den Opernfestspielen 2025, einer künstlerischen Interpretation des diesjährigen Themenschwerpunkts Mythologie. Vielschichtige soziale Phänomene, die in historischen Mythen über Krieg und Frieden, Eifersucht und Liebe, Versuchung oder Größenwahn seit Jahrhunderten festgehalten werden, fanden und finden bis heute Ausdruck in Kunst, Musik und Schauspiel.

Die Fotografien der in Amsterdam geborenen Künstlerin transferieren in diesem Kontext die italienische Commedia dell’Arte um 1700 in die Gegenwart und erschaffen so eine transzendentale Brücke zu dem (zwischen-)menschlichen Schauspiel des 21. Jahrhunderts: Traurige Harlekine und mystische Frauenfiguren schälen sich aus intensiven Hell-Dunkel-Kontraste, die an das barocke Gestaltungsprinzip des Chiaroscuro der Ölmalerei erinnern und werfen dabei einen metaphorisierenden Blick auf die zunehmend gebeutelte Weltbühne.

Mit Augenmerk auf die Vergangenheit und Zukunft der Menschheit sind Betrachtende dazu eingeladen, den innerbildlichen Protagonist:innen eigene Mythen einzuschreiben und deren Geschichte weiterzuerzählen.

Zadelhoffs Faszination für Fotografie begann bereits in der Kindheit und wurde maßgeblich durch ihren künstlerisch veranlagten Vater geprägt. Vertiefende Techniken lernte sie bei dem Fotografen Leopold Beels van Heemstede in Antwerpen, Belgien, wo sie bis heute lebt und arbeitet.

Mischmasch, borrowed from the Latin ‚miscēre‘ – (to) mix, is an artistic interplay, collection and conglomerate of diverse positions from painting, mixed media and sculpture, which are united under a fluid curatorial concept. Abstract works are placed alongside with figurative works, whose different visual and stylistic languages blur with the individual life stories and artistic narratives in order to create a multi-perspective oeuvre.

Participating artists: Dasha Minkina, Fabio Noack, Frank Krüger, Josephine Kaiser, Lukas Schallmair, Peter Wilde, Sarah Domandl, Tiina Heiska and Yolanda Dorda.

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Mischmasch, entlehnt aus dem lateinischen ‚miscēre‘ – (ver)mischen ist ein künstlerisches Zusammenspiel, Sammelsurium und Konglomerat mannigfaltiger Positionen aus Malerei, Mixed Media und Skulptur die sich unter einem fluiden kuratorischen Konzept vereinen. Abstrakte Werke stehen hier neben figürlichen Arbeiten, deren verschiedene Bild- und Stilsprachen mit den individuellen Lebensgeschichten und Werkaussagen der Künstler:innenpersönlichkeiten zu einem multiperspektivischen Gesamtkunstwerk verschwimmen.

THE SOUL OF THINGS

Ronit Baranga is a contemporary Israeli artist who lives and works in Israel. As a sculptor and installation artist, she creates figurative art on the border between living and still life, dealing with emotional states and connections. In her upcoming solo exhibition ‚The Soul of Things‘ at Gallery Stephan Stumpf, Baranga explores the subject-object relationship: If the hard cold body of the tea set becomes soft, flesh like and moldable; if the still vessels become doubtfully alive and respond to their surroundings with their own desires, the reality in which the taken-for-granted relationship between the useful object and the person using it, must be redefined.

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Ronit Baranga ist eine zeitgenössische israelische Künstlerin, die in Israel lebt und arbeitet. Als Bildhauerin und Installationskünstlerin schafft sie figurative Kunst an der Grenze zwischen augenscheinlicher Lebendigkeit und klassischen Stillleben, die sich mit emotionalen Zuständen und zwischenmenschlichen Verbindungen auseinandersetzt. In ihrer kommenden Einzelausstellung „The Soul of Things“ in der Galerie Stephan Stumpf erforscht Baranga die Beziehung zwischen Subjekt und Objekt: Wenn der harte, kalte Körper eines Teeservices weich, fleischähnlich und formbar wird; wenn regungslose Gefäße fragwürdig lebendig erscheinen und mit eigenen Begehrlichkeiten auf ihre Umgebung reagieren, dann muss die Realität und Selbstverständlichkeit der Beziehung zwischen Gebrauchsgegenstand und dem Menschen, der ihn benutzt, neu definiert werden.

A Woman Squeezing Kettles 2024, clay, acrylic paint, synthetic hair, 62 x 40 x 34 cm
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Holding Close 2024, clay, acrylic paint, synthetic hair, 40 x 43 x 34 cm
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Hugging 2024, clay, acrylic paint, 45 x 24 x 60 cm
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The Intimate Series #1 2024, clay, acrylic paint, 26 x 32 x 17 cm
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The Intimate Series #2 2024, clay, acrylic paint, 32 x 26 x 20 cm
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The Intimate Series #3 2024, clay, acrylic paint, 28 x 23 x 15 cm
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TIS #2 2024, clay, acrylic paint, 16 x 14 x 12 cm
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TIS #3 2024, clay, acrylic paint, 16 x 14 x 12 cm
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TIS #4 2024, clay, acrylic paint, 6 x 20 x 22 cm
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TIS #6 2024, clay, acrylic paint, 17 x 36 x 20 cm
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TIS #5 2024, clay, acrylic paint, 17 x 36 x 20 cm
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TIS #9, 2024, clay, acrylic paint, 15 x 21 x 13 cm
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TIS #10, (wall piece) 2024, clay, acrylic paint, 10 x 16 x 15 cm
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TIS #11, (wall piece) 2024, clay, acrylic paint, 10 x 14 x 14 cm
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TIS #12, (wall piece) 2024, clay, acrylic paint, 10 x 14 x 14 cm
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TIS#13 2024, clay, acrylic paint, 28 x 18 x 11 cm
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Whispering to Myself #1, (wall piece) 2024, clay, acrylic paint, 24 x 14 x 16 cm
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Whispering to Myself #2, (wall piece) 2024, clay, acrylic paint, 27 x 10 x 14 cm
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P #1, (wall piece) 2024, clay, acrylic paint, 8 x 21 x 23 cm
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P #2, (wall piece) 2024, clay, acrylic paint, 7x 21 x 22 cm
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P #3, (wall piece) 2024, clay, acrylic paint, 9 x 20 x 22 cm
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P #4, (wall piece) 2024, clay, acrylic paint, 6 x 20 x 22 cm
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P #5 (wall piece) 2024, clay, acrylic paint, 9 x 21 x 21 cm
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The Munich artist Annemarie Faupel, a master student of Karin Kneffel, combines both intimate and universal moments of human existence in her solo exhibition ‚Naked Truth‘. The close relationship between joie de vivre and transience, naturalness and artificiality as well as the artistic approach to socially controversial themes such as nudity or old age are create the centerpiece of her work.

Faupel’s unembellished nudes of her ninety-nine-year-old grandmother Elisabeth, for example, spare no wrinkle, no unevenness and no skin discoloration in order to tell a dignified portrait of the years and stories of a person’s life through precisely these physical inscription; to acknowledge the death of a spent and powerless body as part of life and to honour ageing in this way. In the shower rotunda of a Munich swimming pool, naked bodies also present themselves in a natural and quiet intimacy, in which all body forms coexist undisguised, creating a trusting space between strangers. The oscillating spectrum of emotions between the joie de vivre and the bittersweet idea of vanitas ultimately comes together in Faupel’s candy still lifes, whose shimmering candy wrappers or seductively shiny sugar glazes symbolize human cravings and addictions – a form of consumption that only provides temporary and short-term satisfaction, but does not nourish the body and soul in the long term.

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Die Münchner Künstlerin Annemarie Faupel, Meisterschülerin von Karin Kneffel, vereint in ihrer Soloausstellung „NAKED TRUTH“ gleichsam intime wie universelle Momente des menschlichen Daseins. Das Näheverhältnis zwischen Lebenslust und Vergänglichkeit, Natürlichkeit und Artifizialität sowie der offene malerische Umgang mit gesellschaftlich kontroversen Themen, wie Nacktheit oder Alter stehen dabei im Vordergrund ihrer Arbeit.

So sparen die ungeschönten Aktbilder Faupels neunundneunzigjähriger Großmutter Elisabeth keine Falte, keine Unebenheit und keine Hautverfärbung aus, um durch eben jene körperlichen Einschreibungen ein würdevolles Portrait der Lebensjahre und Geschichten eines Menschen zu erzählen, den Tod eines verbrauchten, kraftlosen Körpers gleichsam als Teil des Lebens anzuerkennen und das Alter auf diese Weise zu ehren. Auch in der gemalten Rotunde eines Münchner Schwimmbads präsentieren sich nackte Körper in einer selbstverständlichen und stillen Intimität, in der alle Körperformen unverstellt nebeneinander koexistieren und dadurch einen vertrauensvollen Raum zwischen Fremden erschaffen. Das changierendes Emotionsspektrum zwischen dem Genuss des Lebens und des bittersüßen Vanitasgedanken vereint sich schlussendlich in Faupels Candy-Stillleben, deren schillernde Bonbonpapiere oder verführerisch glänzende Zuckerglasuren menschliche Gelüste und Süchte symbolisieren – eine Form des Konsums, der eine temporäre und kurzfristige Befriedigung bereitstellt, durch die Körper und Seele jedoch nicht langfristig genährt werden.

On April 25, 2024, we celebrated the new beginning of the GALLERY STƎPHAN STUMPF in the group exhibition „BIG RƎSTART“: in new premises, with a new gallery name, a fresh concept and current works by our artists, as the heart of the exhibition.

Participating artists: Anton Höger, Danielle van Zadelhoff, Frank Krüger, Stefan Zsaitsits, Susannah Martin, Tiina Heiska, Tonino Mattu and Yolanda Dorda.

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Wir feiern am 25. April 2024 in der Gruppenausstellung „BIG RƎSTART“ den Neubeginn der GALLERY STƎPHAN STUMPF: In neuen Räumlichkeiten, mit einem neuen Galerienamen, einem frische Konzept und aktuellen Arbeiten unserer Künstler:innen, als Herzstück der Ausstellung.

What characterizes today’s portrait? The portrait is one of the most classic and well known genres in the history of art. The artistic representation of a human being, which is usually limited to the head and chest area, seems more exciting today than ever with the variety of technical and artistic possibilities. But what is it that fascinates us so much about the image of a human being? We want to get closer to what contemporary portraiture is all about!

The exhibition „The New Portrait“ unites extraordinary contemporary artists who each proclaim their specific approach and aesthetic vision. From abstract positions to the figurative, from the colorful to the minimalist, størpunkt displays a wide variety of international artistic positions in order to – through their compilation – give the portrait of today a face.

Participating Artists: Antonia Gruber, Frank Krüger, Hira Khan, Ingrid Baars, Kevin Foote, Sarah Domandl, Stefaan de Croock, Seungyea Park, Tornino Mattu, Will Yu, Wolfgang Grinschgl, Yolanda Dorda

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Was zeichnet das Porträt von heute aus? Das Porträt ist eines der wohl klassischsten Genres der Kunstgeschichte. Die künstlerische Darstellung eines Menschen, die sich zumeist auf den Kopf- und Brustbereich beschränkt, scheint heute mit der Vielfalt an technischen und medialen Gestaltungsmöglichkeiten spannender denn je. Doch was ist es, das uns so sehr am Abbild eines Menschen fasziniert? Wir wollen uns dem annähern, was das zeitgenössische Porträt ausmacht!

Die Ausstellung „The New Portrait“ vereint außergewöhnliche zeitgenössische Künstler, die jeweils ihre spezifische Herangehensweise und Ästhetik proklamieren. Von abstrakten Positionen zum Figurativen, vom Bunten bis hin zum Minimalistischen, inkludiert størpunkt eine breite Vielfalt internationaler künstlerischer Positionen, um in ihrer Zusammenstellung dem Portrait von heute ein Gesicht zu geben.

The Nude-since the renaissance, the nude has been a customary, mostly graphic work preparation in artist studios and academies for the precise reproduction of body proportions and muscle play. Initially reserved exclusively for religious, historical and mythological subjects, its role changed in the course of modern painting in the 19th century. Accordingly, the term expanded in meaning over time. Today it is used to describe any form of non-pornographic, artistic representation of an unclothed human body.

The Nude is a group exhibition that illuminates the nude from a contemporary perspective. Privacy, self-determination, sexualization, objectification, grace, emancipation, #MeToo, seduction, self-confidence, eroticism, artistic aesthetics – never before has nudity been discussed so vividly, finely differentiated and controversially in public discourse as it is today. Every contemporary representation of the nude refers – willingly or unwillingly – to all these discourses. More than ever, artists today use nude representation to explore the limits of what is morally and aesthetically permissible.

Participating Artists: Ale Casanova, Annemarie Faupel, Daantje Bons, Francesca Dalla Benetta, Joanna Grochowska, Julia Agnes, Marc Dailly, Rachael Mauney, Susannah Martin and Yolanda Dorda.

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Der Akt -seit der Renaissance war der Akt eine in Künstlerateliers und Akademien übliche, meist zeichnerische Werkvorbereitung zur genauen Wiedergabe von Körperproportionen und dem Muskelspiel. Erstmal ausschließlich religiösen, historischen und mythologischen Sujets vorbehalten, veränderte sich seine Rolle im Zuge der modernen Malerei des 19. Jahrhunderts. Demnach erfuhr der Begriff im Laufe der Zeit eine Sinnerweiterung. Heute bezeichnet man damit jede Form der nicht-pornographischen, künstlerischen Darstellung eines unbekleideten menschlichen Körpers.

THE NUDE ist eine Gemeinschaftsausstellung, die den Akt aus zeitgenössischer Perspektive beleuchtet. Intimsphäre, Selbstbestimmung, Sexualisierung, Objektifizierung, Anmut, Emanzipation, #MeToo, Verführung, Erotik, künstlerische Ästhetik – noch nie wurde Nacktheit im öffentlichen Diskurs so spannend, fein-differenziert und kontrovers diskutiert wie heute. Jede zeitgenössische Aktdarstellung rekurriert – willentlich oder unwillentlich – auf all diese Diskurse. Mehr denn je, loten Künstler heute mithilfe der Aktdarstellung die Grenzen des moralisch und ästhetisch Erlaubten aus.

In our annual exhibition series HALF A POUND OF ART we unite strong positions of international artists who have something innovative to offer the art world. The exhibited works are exclusively small format with a maximum size of 50 x 50 cm. The exhibition does not follow a thematic curation, crucial factors are the size and excellence of the works. The medium is kept open and offers space for painting and sculpture, as well as for photography, installations, conceptual or video art.  On display are outstanding works that challenge our viewing habits, works that awaken in us a love of detail and, above all, are characterized by technical sophistication.  This exhibition is conceived as an homage to the small format – a sometimes underestimated but highly exciting format in which a maximum of technical expertise and creative refinement accumulates.

Participating Artists: Alexandra Lukaschewitz, Brigitte Pruchnow, Cigdem Aki, Dana Zaltzman, Daantje Bons, Frank Krüger, Julia Niederée-Mann, Julia Agnes, Katharina Andress, Kazuhiro Hori, Kevin Foote, Marc Dailly, Nils Franke, Tiina Heiska, Tonino Mattu, Vincenzina Caré and Yolanda Dorda

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In unserer jährlichen Ausstellungsreihe HALF A POUND OF ART vereinen wir starke Positionen internationaler Künstler, die der Kunstwelt Innovatives zu bieten haben. Die ausgestellten Werke sind ausschließlich kleinformatig mit einer maximalen Größe von 50 x 50 cm. Das Medium wird dabei offen gehalten und bietet Raum für Malerei und Skulptur, ebenso wie für Fotografie, Installationen, Konzept- oder Videokunst. Gezeigt werden herausragende Arbeiten, die unsere Sehgewohnheiten herausfordern – Werke, die in uns die Liebe zum Detail wecken und sich vor allem durch technische Raffinesse auszeichnen. Diese Ausstellung ist als Hommage and das Kleinformat konzipiert – ein bisweilen unterschätztes aber höchst spannendes Format, in welchem sich ein Höchstmaß an technischer Versiertheit und kreativer Raffinesse akkumuliert.

BOUND 

In her latest photographs Daniëlle van Zadelhoff explores the vulnerability, insecurity and loneliness of the human being. Emotional conditions, which in times of a global pandemic are more actual than ever before. The exhibition BOUND expresses the basic need to connect with others, but also reveals the challenges that come along with being tied to someone. 

Inspired by Old Masters of Dutch painting such as Rembrandt and Vermeer, Daniëlle van Zadelhoff‘s works show the attempt to translate the formal principles of sixteenth and seventeenth century painting into art photography. Thus, the intense light-dark contrasts created by the selective illumination of the sitter against a dark background are reminiscent of the Baroque design principle of chiaroscuro. Light and shadow swirl around the body, emphasizing muscles, tendons, and bone structures and lend the figures a sense of pronounced plasticity. In the process, she attaches a great deal of artistic attention to ensuring that the almost immaculate skin of her models appears like a smooth surface referring to the painterly usage of the so called blaireau brush. The light comes from a single source outside the frame, creating a theatrical and sometimes sacred atmosphere. 

At once simple and yet surprisingly complex, Daniëlle‘s portraits convey her fascination with the human psyche, using models to interpret innate questions of temptation, vulnerability, doubt and faith as a pretext for self-exploration. However, the works’ titles reveal that the sitters are not of interest to the artist as individual personalities, but rather as projection surfaces of types and personifications.

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In ihren neuesten Fotografien erkundet Daniëlle van Zadelhoff die Verletzlichkeit, Unsicherheit und Einsamkeit des Menschen sowie emotionale Zustände, die in Zeiten einer globalen Pandemie aktueller sind als je zuvor. Die Ausstellung BOUND bringt das Grundbedürfnis zum Ausdruck, sich mit anderen zu verbinden, zeigt aber auch die Herausforderungen, die mit der Bindung an einen Menschen einhergehen.

Inspiriert von alten Meistern der niederländischen Malerei wie Rembrandt und Vermeer, zeigen Daniëlle van Zadelhoffs Arbeiten den Versuch, die formalen Prinzipien der Malerei des 16. und 17. Jahrhunderts in die Kunstfotografie zu übertragen. So erinnern die intensiven Hell-Dunkel-Kontraste, die durch die gezielte Ausleuchtung des Dargestellten vor dunklem Hintergrund entstehen, an das barocke Gestaltungsprinzip des Hell-Dunkel. Licht und Schatten umspielen den Körper, betonen Muskeln, Sehnen und Knochenstrukturen und verleihen den Figuren eine ausgeprägte Plastizität. Dabei legt sie großen künstlerischen Wert darauf, dass die fast makellose Haut ihrer Modelle wie eine glatte Oberfläche erscheint, die auf die malerische Verwendung des so genannten Blaireau-Pinsels verweist. Das Licht kommt von einer einzigen Quelle außerhalb des Rahmens und schafft eine theatralische und manchmal sakrale Atmosphäre.

Die Porträts von Daniëlle sind einfach und doch überraschend komplex. Sie zeigen ihre Faszination für die menschliche Psyche, indem sie Modelle verwendet, um Fragender Versuchung, der Verletzlichkeit, des Zweifels und des Glaubens als Ausgangspunkt für die Erkundung des Selbst heranzuziehen. Die Titel der Arbeiten verraten jedoch, dass die Porträtierten für die Künstlerin nicht als individuelle Persönlichkeiten von Interesse sind, sondern als Projektionsflächen von Typisierungen und Personifikationen.

THE PUPPET THEATER

Ronit Baranga’s ceramic sculptures are hauntingly lifelike and frisky. There is always a dichotomy to her work and an element of the unexpected. Inbuilt contradictions, sometimes playful, sometimes threatening, that surprise, shock or unsettle the viewer. Based on her series The Grave Watchers’ Childhood, that was influenced by two ancient figures – „Tomb Guardians“ from the Tang Dynasty (618-906 A.D.) – Baranga’s new work continues the examination of baby sweetness and innocence in contradistinction to a wild and uncontrollable side inherent in children.

For this purpose, the artist uses the motif of the putto, a naked angelic child figure, that is present in sculpture and painting since antiquity and transforms it as an antithesis in a cute demon with horns, fangs and claws. Originally embodying love, innocence and beauty, the childishness in Baranga’s works represents challenging emotions such as anger, frustration, desire and recalcitrance. On the one hand, several of her demon sculptures are forming a threatening and dynamic unit by responding to their environment and interacting with each other. On the other hand, they are meticulously placed around realistic looking human beings like inanimate glove puppets. This divergent approach raises questions about role playing, subconsciousness and the power of emotions: Are the little devils personifications of uncontrollable feelings? And if so, do they prevail or are they merely puppets who only come to life whenever the infantile player wants to?

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Die Keramikskulpturen von Ronit Baranga sind eindringlich, lebensecht und verspielt. Ihre Arbeiten sind stets zwiespältig und enthalten ein Element des Unerwarteten. Eingebaute Widersprüche, manchmal spielerisch, manchmal bedrohlich, überraschen, schockieren oder verunsichern die Betrachtenden. Ausgehend von ihrer Serie „The Grave Watchers‘ Childhood“, die von zwei antiken Figuren – „Grabwächtern“ aus der Tang-Dynastie (618-906 n. Chr.) -beeinflusst wurde, setzt Baranga in ihrem neuen Werk die Untersuchung der kindlichen Lieblichkeit und Unschuld fort, die im Gegensatz zu deren wilder und unkontrollierbaren Seite steht.

Dazu verwendet die Künstlerin das Motiv des Putto, einer nackten, engelhaften Kinderfigur, die seit der Antike in Skulptur und Malerei präsent ist und verwandelt diese als Gegenpol in einen infantilen Dämon mit Hörnern, Reißzähnen und Krallen. Ursprünglich verkörperte das Kindliche in Barangas Werken Liebe, Unschuld und Schönheit, heute steht es für herausfordernde Emotionen wie Wut, Frustration, Verlangen und Widerspenstigkeit. Einerseits bilden mehrere ihrer Dämonenskulpturen eine bedrohliche und dynamische Einheit, indem sie auf ihre Umgebung reagieren und miteinander interagieren. Andererseits sind sie akribisch um realistisch aussehende Menschen herum platziert, die wie leblose Handpuppen wirken. Diese unterschiedliche Herangehensweise wirft Fragen über Rollenspiele, Unterbewusstsein und die Macht der Gefühle auf: Sind die kleinen Teufelchen Personifikationen unkontrollierbarer Gefühle? Und wenn ja, setzen sie sich durch oder sind sie lediglich Marionetten, die nur dann zum Leben erwachen, wenn kindliche Spielende es wollen?