Artists

Emily Strowitzki’s work explores moments in which control, self-presentation, and emotional composure begin to fracture. At its core is a form of intimacy that cannot be consciously produced, but emerges only in states of perceived unobservedness. Her paintings revolve around those fleeting instances in which people momentarily forget how they appear to others, unintentionally revealing something of their inner emotional state.

Many of her works are rooted in the idea of the “keyhole moment”, a glimpse into situations that would ordinarily remain inaccessible to the public eye. The figures she portrays are not consciously staged subjects, but individuals suspended between vigilance and the relinquishing of control within what they perceive to be a safe environment. It is precisely this vulnerability that creates a sense of closeness and authenticity for the viewer. At the same time, this intimacy remains inherently fragile: the moment the observed become aware of being seen, the situation immediately dissolves back into posture, control, or self-assertion.

Emily Strowitzki (born February 15, 1996) is a self-taught artist and designer holding a Bachelor’s degree in Communication Design from Munich University of Applied Sciences and a Master’s degree in Design – Knowledge Visualization from the Zurich University of the Arts (ZHdK). While working part-time as a Digital Product Designer, she dedicates every spare moment to pursuing her passion for painting and artistic practice.

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Emily Strowitzkis Arbeiten erkunden Momente, in denen Kontrolle, Selbstdarstellung und emotionale Beherrschung zu bröckeln beginnen. Im Zentrum steht eine Form von Intimität, die sich nicht bewusst herstellen lässt, sondern erst in Augenblicken entsteht, in denen Menschen sich unbeobachtet fühlen. Ihre Malerei kreist um jene flüchtigen Situationen, in denen Menschen für einen Moment vergessen, wie sie auf andere wirken, und dabei unwillkürlich etwas von ihrem inneren emotionalen Zustand preisgeben.

Viele ihrer Arbeiten basieren auf der Idee des „Schlüsselloch-Moments“, einem Einblick in Situationen, die dem öffentlichen Blick normalerweise verborgen bleiben. Die von ihr dargestellten Figuren sind keine bewusst inszenierten Motive, sondern Menschen in einem Schwebezustand zwischen Wachsamkeit und dem Loslassen von Kontrolle innerhalb einer Umgebung, die sie als sicher empfinden. Gerade diese Verletzlichkeit erzeugt für die Betrachtenden ein Gefühl von Nähe und Authentizität. Gleichzeitig bleibt diese Intimität grundsätzlich fragil: In dem Moment, in dem die Beobachteten bemerken, dass sie gesehen werden, löst sich die Situation unmittelbar wieder in Haltung, Kontrolle oder Selbstbehauptung auf.

Emily Strowitzki (*15. Februar 1996) ist eine autodidaktische Künstlerin und Designerin. Sie absolvierte einen Bachelor in Kommunikationsdesign an der Hochschule München sowie einen Master in Design – Knowledge Visualization an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK). Neben ihrer Teilzeittätigkeit als Digital Product Designer widmet sie jede freie Minute ihrer Leidenschaft für die Malerei und ihrer künstlerischen Praxis.

Peter Simon Mühlhäußer works in bronze, directly carved marble, and cast concrete. His nearly life-sized sculptures move between vulnerability and strength, seduction and irritation, addressing themes such as sexuality, identity, ethnicity, and social perception.

Rather than reproducing reality, Mühlhäußer develops his figures through memory, imagination, and intuition. The risk of failure remains an intentional part of the process.

Whether bronze, concrete, or marble, the artist understands material as both tradition and experiment. His sculptures do not offer fixed narratives, but instead open spaces for projection, tension, and unease.

Peter Simon Mühlhäußer’s upcoming solo exhibition will be on view from 15 October to 21 November, 2026, with the opening reception taking place on Thursday, 15 October, from 7–10 p.m.

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Peter Simon Mühlhäußer arbeitet in Bronze, direkt behauenem Marmor und Gussbeton. Seine fast lebensgroßen Skulpturen bewegen sich zwischen Verletzlichkeit und Stärke, Verführung und Irritation und verhandeln Themen wie Sexualität, Identität, Ethnizität und gesellschaftliche Wahrnehmung.

Statt Realität zu reproduzieren, entwickelt Mühlhäußer seine Figuren aus Erinnerung, Vorstellungskraft und Intuition. Das Risiko des Scheiterns bleibt dabei bewusst Teil des Prozesses.

Ob Bronze, Beton oder Marmor – Material versteht der Künstler zugleich als Tradition und Experiment. Seine Skulpturen geben keine eindeutigen Antworten, sondern eröffnen Räume für Projektionen, Spannung und Unbehagen.

Die kommende Soloausstellung von Peter Simon Mühlhäußer ist von 15. Oktober bis 21. November 2026 in der Galerie Stephan Stumpf zu sehen. Die Eröffnung findet am Donnerstag, 15. Oktober, von 19–22 Uhr statt.

Tonino Mattu born in Nuoro, Sardinia he currently lives and works in Oristano, Sardinia.

Self-taught, he has built his art styding the ancient treatises of painting. His research is focused on relationships between reality and image mystification. He tries to make seem real the subject that he paints, but he does’nt paint real things. He utilizes an ecletic image, in wich coexist figurative and abstract elements. In this way the image can be filtered and made subjective for diverse interpretations.

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Tonino Mattu, geboren in Nuoro, Sardinien, lebt und arbeitet derzeit in Oristano, Sardinien.

Er ist Autodidakt und hat seine Kunst in Anlehnung an die alten Abhandlungen über die Malerei aufgebaut. Seine Forschung konzentriert sich auf die Beziehungen zwischen Realität und Bildmystifizierung. Er versucht, den Gegenstand, den er malt, real erscheinen zu lassen, malt jedoch keine realen Dinge. Er verwendet ein ekletisches Bild, in dem figurative und abstrakte Elemente koexistieren. Auf diese Weise kann das Bild gefiltert und für verschiedene Interpretationen subjektiviert werden.

Sheila Flaherty is an Irish figurative artist whose hyperrealist oil paintings explore themes of identity, societal expectations, and psychological resilience. Based in Dublin, her work has gained international recognition and is held in private collections across Europe and North America.

She recently won First Prize at The Power of She exhibition at Summer & Grace Gallery in Ontario, receiving first place at the 2025 Cindy Cottrell Art Prize. Sheila is also the recipient of the Promotion Award from the 2025 TARtget Art Prize, where her painting Heart’s Desire was exhibited at the historic Ateneo de Madrid. Sheila was awarded an Honourable Mention in the 2025 FiKVA International Painting Prize and was a finalist in the 2024 edition of the same award. In 2026, she will take part in a two-person exhibition at Summer & Grace Gallery and has been awarded a residency with the Almenara Art Collection in southern Spain.

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Sheila Flaherty ist eine irische figurative Künstlerin, deren hyperrealistische Ölgemälde Themen wie Identität, gesellschaftliche Erwartungen und psychische Belastbarkeit behandeln. Die in Dublin lebende Künstlerin hat mit ihren Werken internationale Anerkennung gefunden und befindet sich in Privatsammlungen in ganz Europa und Nordamerika.

Kürzlich gewann sie den ersten Preis der Ausstellung „The Power of She“ in der Summer & Grace Gallery in Ontario und den ersten Platz beim Cindy Cottrell Art Prize 2025. Sheila erhielt außerdem den Förderpreis des TARtget Art Prize 2025, bei dem ihr Gemälde „Heart’s Desire“ im historischen Ateneo de Madrid ausgestellt wurde. Sheila erhielt eine lobende Erwähnung beim FiKVA International Painting Prize 2025 und war Finalistin bei der Ausgabe 2024 desselben Preises. 2026 wird sie an einer Doppelausstellung in der Summer & Grace Gallery teilnehmen und wurde mit einem Stipendium der Almenara Art Collection in Südspanien ausgezeichnet.

Nae Zerka, lives and works in Salzburg, Austria. In the age of frequent digital disruption, the visual artist showcases in his work the promising possibilities of the interplay between painting and technology. As a child of the 80s, Zerka has a penchant for computerrelated activities, including electronic music and graphic design. His artistic practices infuses visual elements borrowed from these disciplines with traditional colours such as oil and pastel.

This multimedia exploration of transformative processes is not only to be understood on a symbolic level, but is at its core a profound artistic examination of fundamental change: Transformation, as a seismic movement in the political, economic or technological landscape, unleashes forces that are shaping our present in unprecedented ways. For Zerka, however, such a transformation does not take place immediately, but is the expression of an ongoing, non-linear process of adaptation. In recent discourse, the concept of human transformation is often associated with the ongoing process of global digitalization. The growing presence of an artificially constructed and digital world raises critical questions that encompass all facets of human life, from social structures to cultural norms. Symbolized by head coverings, bandages or layering in the faces of Nae Zerka’s portrait subjects, reference is made to these social veils, masks and the ablative search for a person’s supposedly ‚true self‘.

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Nae Zerka, lebt und arbeitet in Salzburg, Österreich. Im Zeitalter des digitalen Umbruchs zeigt der bildende Künstler in seinen Arbeiten die vielversprechenden Möglichkeiten des Zusammenspiels von Malerei und Technologie auf. Als Kind der 80er Jahre hat Zerka eine Vorliebe für computerbezogene Aktivitäten, einschließlich elektronischer Musik und Grafikdesign. In seiner künstlerischen Praxis verbindet er visuelle Elemente aus diesen Disziplinen mit traditionellen Farben wie Öl und Pastell.

Diese multimediale Erforschung von transformativen Prozessen ist nicht nur auf symbolischer Ebene zu verstehen, sondern bildet im Kern eine tiefgreifende künstlerische Auseinandersetzung mit grundlegenden Veränderungen: Transformation, als eine seismische Bewegung in der politischen, wirtschaftlichen oder technologischen Landschaft, setzt Kräfte frei, die unsere Gegenwart in noch nie da gewesener Weise prägen. Für Zerka vollzieht sich eine derartige Transformation allerdings nicht sofort, sondern ist Ausdruck eines fortlaufenden, nichtlinearen Anpassungsprozesses. Im jüngsten Diskurs wird das Konzept der menschlichen Transformation häufig mit dem fortschreitenden Prozess der globalen Digitalisierung in Verbindung gebracht. Die wachsende Präsenz einer künstlich konstruierten und digitalen Welt wirft kritische Fragen auf, die – von sozialen Strukturen bis hin zu kulturellen Normen – alle Facetten des menschlichen Lebens umfassen. Symbolisiert durch Kopfbedeckungen, Bandagen oder Schichtungen in den Gesichtern von Nae Zerkas Portraitierten wird auf diese gesellschaftlichen Verschleierungen, Maskierungen und die abtragende Suche nach dem vermeintlich ‚wahrhaftigen Selbst‘ einer Person verwiesen.

Tiina Heiska lives and works in Helsinki. She has exhibited in several group and solo exhibitions in Finland and abroad. Heiska’s work is represented in a number of Finnish art and museum collections, such as Sara Hildén Art Museum, EMMA – Espoo Museum of Modern Art, Amos Anderson Art Museum, HAM Helsinki City Art Museum and Jenny and Antti Wihuri Foundation’s Collection.

Heiska’s paintings are based on photography and cinematography. The images she uses as a draft for her paintings can be stills from films or photos taken by herself. Heiska shamelessly seduces a viewer. By using female accessories and dressing-up Heiska plays with identity, sexuality, desire, age and gender.

Susannah Martin was born in New York City in 1964.  She studied Fine Art at New York University and received a SEHNAP scholarship for painting. Among her most notable teachers there were; John Kacere, Louise Lawler, Sherrie Levine and Peter Campus.  Following her studies she completed numerous large scale public and private mural projects as well as sets for film in New York, Berlin and Frankfurt am Main where she currently lives and works. 

In 2004 she returned to oil painting.  Over the last several years, her work has focused exclusively on contemporizing the classical subject of the nude in landscape. Avoiding a falsely idyllic scenario, her work focuses on mans´ estrangement from nature.  Martins´ work creates a stage in which mans´ struggle between the two poles of his identity, the natural and the synthetic, may be contemplated. Her work is exhibited internationally throughout Europe and the United States of America. 

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Susannah Martin wurde 1964 in New York City geboren. Sie studierte Bildende Kunst an der New York University und erhielt ein SEHNAP-Stipendium für Malerei. Als ihre bedeutendsten Lehrpersonen sind John Kacere, Louise Lawler, Sherrie Levine oder Peter Campus zu nennen. Nach ihrem Studium realisierte sie zahlreiche groß angelegte öffentliche und private Wandprojekte sowie Filmkulissen in New York, Berlin und Frankfurt am Main, wo sie heute lebt und arbeitet.

Im Jahr 2004 kehrte sie zur Ölmalerei zurück. In den letzten Jahren konzentrierte sich ihre Arbeit ausschließlich auf die zeitgenössische Darstellung des klassischen Aktes in der Landschaft. Unter Vermeidung einer falschen Idylle thematisiert sie die Entfremdung des Menschen von der Natur. Martins‘ Werk schafft eine Bühne, auf der der Kampf des Menschen zwischen den beiden Polen seiner Identität, dem Natürlichen und dem Synthetischen, betrachtet werden kann. Ihre Werke werden international in ganz Europa und den Vereinigten Staaten von Amerika ausgestellt.

Ronit Baranga is a contemporary Israeli artist who lives and works in Israel.

As a sculptor and installation artist, she creates figurative art on the border between living and still life, dealing with emotional states and relationships.
Her work has been displayed in museums and galleries around the world and is a part of many museum and private collections. Key exhibitions include Banksy’s group exhibition „Dismaland“ and numerous solo and group exhibitions in New York, Istanbul, Taiwan, China, Germany, Tel-Aviv and Australia.
Baranga holds a B.A. in Psychology and Literature from Haifa University, studied Art History in Tel-Aviv University, and Fine Arts in Beit Berl College (‚HaMidrasha‘), Israel.

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Ronit Baranga ist eine zeitgenössische israelische Künstlerin, die in Israel lebt und arbeitet.

Als Bildhauerin und Installationskünstlerin schafft sie figurative Kunst an der Grenze zwischen Leben und Stillleben, die sich mit emotionalen Zuständen und Beziehungen befasst. Ihre Arbeiten wurden in Museen und Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt und sind Teil vieler Museums- und Privatsammlungen. Zu den wichtigsten Ausstellungen gehört Banksys Gruppenausstellung „Dismaland“ sowie zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in New York, Istanbul, Taiwan, China, Deutschland, Tel Aviv und Australien. Baranga absolvierte an der Universität Haifa den B.A. in Psychologie und Literatur, studierte Kunstgeschichte an der Universität Tel-Aviv und bildende Kunst am Beit Berl College („HaMidrasha“), Israel.

Joanna Grochowska is a contemporary artist exploring transhumanism and human enhancement technologies. Her work contributes to the dialogue about transhumanism, morphological freedom and the future. The conceptual basis of her art are the notions of Transgression and Singularity.

Grochowska’s work has been exhibited internationally including Munich, Paris, New York, and London. Her art has frequented galleries and museums alike.

Anton Franz Hoeger, born 1956 in Munich, is now living near Dallas, TX together with his wife and muse. His artistic roots go back to the Viennese School of Fantastic Realism. A master student of Prof. Ernst Fuchs taught him. He was never interested in the „uniform“ painting at the art academies. He always wanted to do something different. His breakthrough came with his solo exhibition at the Museum Meštrović-Pavillon Zagreb 2017 (HDLU), and the honorary prize for one of the most successful and best exhibition.

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Anton Franz Hoeger, geboren 1956 in München, lebt heute mit seiner Frau und Muse in der Nähe von Dallas, Texas. Seine künstlerischen Wurzeln gehen auf die Wiener Schule des Phantastischen Realismus zurück. Ein Meisterschüler von Prof. Ernst Fuchs unterrichtete ihn – die „Einheitsmalerei“ an den Kunstakademien hat ihn nie interessiert. Er wollte immer etwas anderes machen. Der Durchbruch gelang mit seiner Einzelausstellung im Museum Meštrović-Pavillon Zagreb 2017 (HDLU) und dem Ehrenpreis für eine der erfolgreichsten und besten Ausstellungen.

Inspired by Old Masters of Dutch painting such as Rembrandt and Vermeer, Daniëlle van Zadelhoff‘s works show the attempt to translate the formal principles of sixteenth and seventeenth century painting into art photography. Thus, the intense light-dark contrasts created by the selective illumination of the sitter against a dark background are reminiscent of the Baroque design principle of chiaroscuro. Light and shadow swirl around the body, emphasizing muscles, tendons, and bone structures and lend the figures a sense of pronounced plasticity. In the process, she attaches a great deal of artistic attention to ensuring that the almost immaculate skin of her models appears like a smooth surface referring to the painterly usage of the so called blaireau brush. The light comes from a single source outside the frame, creating a theatrical and sometimes sacred atmosphere.

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Inspiriert von alten Meistern der niederländischen Malerei wie Rembrandt und Vermeer, zeigen Daniëlle van Zadelhoffs Arbeiten den Versuch, die formalen Prinzipien der Malerei des 16. und 17. Jahrhunderts in die Kunstfotografie zu übertragen. So erinnern die intensiven Hell-Dunkel-Kontraste, die durch die gezielte Ausleuchtung des Dargestellten vor dunklem Hintergrund entstehen, an das barocke Gestaltungsprinzip des Chiaroscuro. Licht und Schatten umspielen den Körper, betonen Muskeln, Sehnen und Knochenstrukturen und verleihen den Figuren eine ausgeprägte Plastizität. Dabei legt sie großen künstlerischen Wert darauf, dass die fast makellose Haut ihrer Modelle wie eine glatte Oberfläche erscheint, die auf die malerische Verwendung des so genannten Blaireau-Pinsels verweist. Das Licht kommt von einer einzigen Quelle außerhalb des Rahmens und schafft eine theatralische und manchmal sakrale Atmosphäre.

Liza Mercedes is a contemporary artist whose multidisciplinary practice encompasses sculpture, object art, ceramics, and installation. Through a distinctive visual language that combines playful aesthetics with unsettling subject matter, she explores themes of childhood, consumer culture, addiction, trauma, beauty standards, and social conditioning.

Drawing on symbols from popular culture, toys, packaging, and everyday objects, Mercedes creates works that oscillate between attraction and discomfort. What initially appears humorous, nostalgic, or innocent gradually reveals deeper psychological and societal tensions.

A significant milestone in her artistic development was the presentation of her sculpture kleine FLATZ within the exhibition FLATZ. Something Wrong with Physical Sculpture at the Pinakothek der Moderne in Munich. This encounter with the work of the influential performance and body artist FLATZ further reflects her ongoing interest in questions of identity, social narratives, and artistic provocation.

Her work invites viewers to reflect on the systems, narratives, and experiences that shape both personal identity and collective behaviour. By merging irony, vulnerability, and critical observation, Mercedes constructs immersive visual worlds that challenge conventional perceptions while remaining accessible and emotionally engaging.

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Liza Mercedes ist eine zeitgenössische Künstlerin, deren multidisziplinäre Praxis Skulptur, Objektkunst, Keramik und Installation umfasst. Mit einer eigenständigen Bildsprache, die spielerische Ästhetik mit verstörenden Inhalten verbindet, setzt sie sich mit Themen wie Kindheit, Konsumkultur, Sucht, Trauma, Schönheitsidealen und gesellschaftlicher Prägung auseinander.

Ausgehend von Symbolen der Popkultur, Spielzeugen, Verpackungen und Alltagsgegenständen entwickelt Mercedes Werke, die zwischen Anziehung und Irritation oszillieren. Was zunächst humorvoll, nostalgisch oder unschuldig erscheint, offenbart bei näherer Betrachtung tiefere psychologische und gesellschaftliche Spannungsfelder.

Ein wichtiger Meilenstein ihrer künstlerischen Entwicklung war die Präsentation ihrer Skulptur kleine FLATZ im Rahmen der Ausstellung Pinakothek der Moderne in München. Die Begegnung mit dem Werk des einflussreichen Performance- und Body-Art-Künstlers FLATZ verdeutlicht ihr anhaltendes Interesse an Fragen von Identität, gesellschaftlichen Narrativen und künstlerischer Provokation.

Ihre Arbeiten laden dazu ein, über jene Systeme, Erzählungen und Erfahrungen nachzudenken, die persönliche Identität und kollektives Verhalten prägen. Durch die Verbindung von Ironie, Verletzlichkeit und kritischer Beobachtung erschafft Mercedes immersive Bildwelten, die konventionelle Wahrnehmungsmuster hinterfragen und zugleich unmittelbar zugänglich sowie emotional erfahrbar bleiben.

Frank Krüger currently lives in Munich, Germany. He is a self-taught artist who works primarily in oil paints. In his small-format artworks he depicts the human, mostly female figure. The basis for his paintings is formed by photographs, from which he takes cut-outs to translate them into his artistic style. His style is characterized by a strong blur, while the motifs only become clearly visible by walking further away.

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Frank Krüger lebt derzeit in München, Deutschland. Er ist Autodidakt und arbeitet hauptsächlich mit Ölfarben. In seinen kleinformatigen Kunstwerken stellt er die menschliche, meist weibliche Figur dar. Die Grundlage für seine Bilder bilden Fotografien, aus denen er Ausschnitte entnimmt, um sie in seinen künstlerischen Stil zu übertragen. Sein Stil zeichnet sich durch starke Unschärfe aus, wodurch die Motive erst aus größerer Entfernung deutlich erkennbar werden. 

Born in Barcelona, Yolanda Dorda grew up in A Coruña. She has always been linked, in one way or another, to art, which led her to begin her artistic studies at the Pablo Picasso School of Art, opting for sculpture as a specialization. It was in London that painting became her main means of expression. It was there that she came into contact with English painters and expressionism, and their influence was clear in her works. In her canvases you can appreciate a certain cosmopolitanism that comes from her English experience, but also from her time in New York, Barcelona and Slovenia, connecting with the artistic environment of these cities. Since its inception, in addition to her artistic residencies, Dorda has participated in numerous meetings of artists, being selected for workshops organized by the MACUF, and also by the CIEC Foundation. Furthermore, she has won numerous awards in many art competitions, and her work can be found in some important collections and institutions. During the last decade her works have been part of publications and individual and collective exhibitions all over the country. The expressive force of her brushstrokes, her digital collages and the sexual and feminine themes of her work, make her one of the most recognized artists on a national level. She has been featured in the latest editions of Art Madrid, in the contest Mujeres Mirando Mujeres,and since 2018 she has collaborated monthly with the German edition of the prestigious magazine Vogue with paintings in which female sexuality is exhibited without taboos. 

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Yolanda Dorda wurde in Barcelona geboren und wuchs in A Coruña auf. Sie war schon immer auf die eine oder andere Weise mit der Kunst verbunden, was sie dazu veranlasste, ihr Kunststudium an der Pablo Picasso School of Art zu beginnen, wobei sie sich für die Bildhauerei als Spezialisierung entschied. In London wurde die Malerei zu ihrem wichtigsten Ausdrucksmittel. Dort kam sie in Kontakt mit englischen Malern und dem Expressionismus, deren Einfluss in ihren Werken deutlich zu spüren ist. In ihren Gemälden spiegelt sich eine gewisse Weltoffenheit wider, die durch ihre Erfahrungen in England, aber auch der Zeit in New York, Barcelona und Slowenien begründet ist, als sie in das künstlerische Umfeld dieser Städte eintauchte. Seit ihren Anfängen hat Dorda neben ihren künstlerischen Residenzen an zahlreichen Künstlertreffen teilgenommen und wurde für Workshops ausgewählt, die von der MACUF und der CIEC-Stiftung organisiert wurden. Darüber hinaus hat sie zahlreiche Preise diverser Kunstwettbewerbe gewonnen. So sind auch ihre Werke in einigen wichtigen Sammlungen und Institutionen zu finden. In den letzten zehn Jahren waren ihre Arbeiten Teil von Publikationen sowie Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen im ganzen Land. Die Ausdruckskraft ihrer Pinselstriche, ihre digitalen Collagen und die sexuellen und weiblichen Themen machen sie zu einer der anerkanntesten Künstlerinnen auf nationaler Ebene. Sie war in den letzten Ausgaben der Art Madrid und im Wettbewerb Mujeres Mirando Mujeres vertreten und arbeitet seit 2018 monatlich mit der deutschen Ausgabe der renommierten Zeitschrift Vogue zusammen, für die sie Bilder malt, in denen die weibliche Sexualität ohne Tabus gezeigt wird.

The Austrian artist Stefan Zsaitsits currently lives and works in a small village near Vienna. After finishing his Diploma at the University of applied Arts Vienna in 2006, he has won several accolades, such as the Art Austria Award in 2014. Due to his brilliant pencil skills, he has created a distinctive pictorial language, which exemplifies him as a young aspiring artist.

Sketching symptomatical trains of thought, requires an artistic form of expression, which can cope with the spontaneity, emotionality and fugacity of thinking. The pencil works of Stefan Zsaitsits take the spectator on a journey into the soul of his protagonists. This guides him from gentle plains of innocence, deep into gestural and expressive abysses of the human psyche, where demons of a multifaceted self are hiding. Moreover, these subconscious depths will be turned inside out and will be projected on the external, visible surface of his strange figures and are thereby shown to the public sphere. The artworks of the austrian artist access an echo of the surrealistic repertoire of forms and lead to a visualization of inherent fears, which populate the unconscious and rule the roost by means of dreams and thoughts. The pencil allows him therefore to be bulky, gestural, emotive, filigree or to be a stickler for details.

„Concerning visual arts, I believe that drawing is the closest medium to human thoughts. In my artworks I try to facilitate the vital questions without neglecting the daily problems of human beings. From the big picture to the small and the other way round. From wanderings to concrete ideas. From the secular daily routine to a search for meaning. Order and chaos as oneness in my head.“ (Stefan Zsaitsits)

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Der österreichische Künstler Stefan Zsaitsits lebt und arbeitet derzeit in einem kleinen Dorf in der Nähe von Wien. Nach Abschluss seines Diploms an der Universität für angewandte Kunst Wien im Jahr 2006 wurde er mehrfach ausgezeichnet, unter anderem mit dem Art Austria Award 2014. Durch seine brillante Bleistiftfertigkeit hat er eine unverwechselbare Bildsprache geschaffen, die ihn als jungen aufstrebenden Künstler auszeichnet.

Das Skizzieren von symptomatischen Gedankengängen erfordert eine künstlerische Ausdrucksform, die aus der Spontaneität, Emotionalität und Flüchtigkeit des Denkens gewachsen ist. Die Bleistiftarbeiten von Zsaitsits nehmen den Betrachter mit auf eine Reise in die Seele seiner Protagonist:innen. Diese führen von sanften Ebenen der Unschuld bis tief in die gestischen und expressiven Abgründe der menschlichen Psyche, wo sich die Dämonen eines vielschichtigen Ichs verbergen. Mehr noch, diese unbewussten Tiefen werden von innen nach außen gekehrt und auf die äußere, sichtbare Oberfläche seiner seltsamen Figuren projiziert und damit der Öffentlichkeit vorgeführt. Die Arbeiten des österreichischen Künstlers greifen auf ein Echo des surrealistischen Formenrepertoires zurück und führen zu einer Visualisierung von innewohnenden Ängsten, die das Unbewusste bevölkern und mittels Träumen und Gedanken die Herrschaft antreten. Der Bleistift erlaubt ihm dabei, sperrig, gestisch, gefühlvoll, filigran oder detailverliebt zu sein.

„Was die bildende Kunst betrifft, so glaube ich, dass die Zeichnung den menschlichen Gedanken am nächsten ist. In meinen Werken versuche ich, die lebenswichtigen Fragen zu erleichtern, ohne die täglichen Probleme der Menschen zu vernachlässigen. Vom großen Bild zum kleinen und umgekehrt. Von Wanderungen zu konkreten Ideen. Von der profanen Alltagsroutine zur Suche nach dem Sinn. Ordnung und Chaos als Einheit in meinem Kopf“. (Stefan Zsaitsits)

Annemarie Faupel, a graduate master student of Karin Kneffel at the Academy of Fine Arts in Munich, captures people and objects with an extraordinary eye for detail and surface textures in her wide-ranging oeuvre. In Faupel’s large and medium-format paintings, sugary, shiny dounut glazes, iridescent candy wrappers and naked bodies covered in water, shower foam or deep wrinkles merge into close depictions of haptic and visual sensory perceptions. Her open-hearted artistic approach of socially controversial themes such as nudity, sexuality or depictions of old age, based on individual life stories and snapshots, opens up a representational surface in which universal human sensations are reflected. The close relationship between pleasure and pain, attraction and rejection, naturalness and artificiality as well as lightness and heaviness forms an overarching emotional spectrum that runs through Faupel’s nudes and still lifes.

The artist’s works have already been presented in various German galleries and exhibition venues, including the Pinaktothek der Moderne in Munich.

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Annemarie Faupel, diplomierte Meisterschülerin von Karin Kneffel an der Akademie der Bildenden Künste München, fängt in ihrem breit gefächerten Oevre Menschen und Objekte mit einem außergewöhnlichen Blick für Details und Oberflächenbeschaffenheiten ein. In Faupels groß- und mittelformatigen Malerein verschmelzen zuckrig glänzende Dounutglasuren, schillernd leuchtende Bonbonpapiere und von Wasser, Duschschaum oder tiefen Falten überzogene, nackte Körper zu nahbaren Abbildern haptischer und visueller Sinneswahrnehmungen. Der offenherzige malerische Umgang mit gesellschaftlich kontroversen Themen, wie Nacktheit, Sexualität oder Altersdarstellungen spannt, anhand einzelner Lebensgeschichten und Momentaufnahmen, eine künstlerische Repräsentationsfläche auf, in der sich universelle menschliche Empfindungswelten spiegeln. Das Näheverhältnis zwischen Lust und Schmerz, Anziehung und Ablehnung, Natürlichkeit und Artifizialität sowie Leichtigkeit und Schwere bildet ein übergeordnetes Emotionsspektrum, das Faupels Akte und Stillleben durchzieht.

Arbeiten der Künstlerin wurden bereits in diversen deutschen Galerien und Ausstellungshäusern präsentiert, unter anderem in der Pinaktothek der Moderne München.

Anja Wülfing lives and works in Cologne. After completing her graphic design training with Udo Klein in Cologne, she moved to Switzerland to study communication design at the Art Centre College of Design (Europe), graduating with a Bachelor of Fine Arts. After working in various advertising agencies, she founded the graphic design agency Planet Pixel und Weigelstein in Cologne. Her work is represented in the graphic art collection of the Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburg.

Anja Wülfing’s work focuses on introspective, tranquil portraits. The soft, often androgynous faces with closed eyes are not narrative portraits, but rather seek to capture emotions and presence in their silence and make them tangible for the viewer – especially in times of visual noise and the restless demand for attention. Wülfing’s portraits radiate an unobtrusive yet intense openness that creates a special tension between distance and intimacy.

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Anja Wülfing lebt und arbeitet in Köln. Nach ihrer Grafikdesign-Ausbildung bei Udo Klein in Köln zog sie in die Schweiz, um am Art Center College of Design (Europe) Kommunikationsdesign zu studieren und mit dem Bachelor of Fine Arts abzuschließen. Nach der Arbeit in verschiedenen Werbeagenturen gründete sie die Grafikdesign-Agentur Planet Pixel und Weigelstein in Köln. Ihre Arbeiten sind in der Grafiksammlung des Museums für Kunst und Gewerbe in Hamburg vertreten.

Im Mittelpunkt der Arbeiten von Anja Wülfing stehen introspektive, ruhige Portraits. Die weichen, oftmals androgynen Gesichter mit geschlossenen Augen sind dabei keine narrativen Portraits, sondern möchten Emotionen und Präsenz in ihrer Stille festhalten und für Betrachtende spürbar machen –  insbesondere in Zeiten des visuellen Lärms und der rastlosen Forderung nach Aufmerksamkeit. Wülfings Porträts strahlen eine unaufdringliche und dennoch intensive Offenheit aus, durch die eine besondere Spannung zwischen Distanz und Nähe entsteht.